想一想,這部電影要表達的主題無非便是這個---- 永恒的愛和藝術。藝術是屬於大自然和純凈的心靈,與世俗無關。而愛是那麼純粹,容不得一點雜質,同樣與這個世界上污濁的一切格格不入。
父親終其一生信守了對妻子的愛,堅守了自己的藝術理想。聽每一個大自然發出的聲音,成熟的桃子的味道,小孩便溺的聲音,畫家的畫筆與琴弦的關聯,這些在他耳里都是音樂。他一輩子隱居鄉間,活在自己的音樂世界里,懷著對亡妻綿綿不絕的愛和回憶。這個故事從父親的角度來看,充滿淡淡的憂傷卻不令人哀婉嘆息,畢竟他有琴弦為伴,有靈魂和心靈的寄托,內心是充實而幸福的。
大女兒繼承了父親的藝術天賦,同樣才華橫溢,卻滄陷在愛情中。她無意去張揚和發展自己的藝術才能,想像父親一樣淡泊地過著一輩子。不刻意追求外在的浮華,但他愛上了馬萊--- 這個外來的年輕人。那個在壁爐前的場景便是兩個人不同人生方向的寫照---- 瑪蓮低著頭整理洗好的衣物,無欲無求,溫順地問馬萊要喝點什麼嗎?而站在她對面的馬萊此時一副宮廷貴族的裝扮--- 戴上了金色的假發,華貴的衣服,臉上還擦了厚厚的脂粉,眼神里,嘴角邊流露的全是一副高高在上的氣派。他迷戀上了世俗的競技和榮譽,醉倒在貴族們的掌聲和繁華之中。瑪蓮和她父親所擁有的恬淡令他覺得縈然寡味。
其實這位六歲進和宮廷的小男孩一直都是這樣。他的心一直都活在世俗的追求里,他來找老音樂家是為了得到他的音樂以作為重回宮廷的資本,而并非真的是為了純粹的音樂本身。17歲時他第一次登門拜訪時,父親便敏銳地覺察到了他內心的全部,可是女兒們卻為這位英俊的年輕人傾倒,對他著迷。
所以在父親的小木屋底下,年輕人的心在偷學技藝上,在父親琴弦里流露的音符和它會帶來的價值上面,而女兒卻一心撲在愛情上面,她心里懷著的只有愛情本身。這個角色本身便是個悲劇,一如許多法國電影或文學作品里的許多女性角色一樣,她們美好的存在本身便只是為了愛。阿黛爾雨果,羅丹的情人,包法利夫人等等,她們都飛蛾撲火般地獻給了愛情本身。愛情在折磨著瑪蓮,但當他看見昔日的戀人帶著一身的肥肉,滿臉的油膩和世俗的污垢來到他們曾經幽會的房間里時,她失望了,她表現出從未有過的激憤和剛強,“你的愛不過如此!”這是她臨死前譴責戀人的唯一的一句話。愛人演奏《夢中的女孩》那一節并未得到重點表現,反而顯得干枯而蒼白。那一刻她并未得到應有的慰藉,她的身心因為對戀人的思念倍受煎熬和折磨,因為對愛情本身無所畏懼的追求而有所依戀。她的身上有著父親的執著和忠誠,卻無法遇上一位同樣執著和忠誠的對象。她錯愛了,所以她的結局是不幸的。看著腦滿腸肥的愛人乘坐著華貴的車馬離去,她的心徹底地死了,在父親不絕于耳的琴聲中,她對人世間的一切充滿了絕望和厭倦,於是她選擇結束自己的生命,只因為愛情在世俗中死亡,理想在現實面前不堪一擊。
女兒的角色從一開始注定便只能是悲劇的化身--- 因為過於純粹,太美的東西反而難以持續。
年輕人步入中年以后,反而開始反省自己的藝術生命和人生價值。他內心懷著對女孩的愧疚,對老師景仰卻不能接近的敬畏和忐忑。但是還有不曾熄滅的對於音樂本身的愛,年少時的這種愛不純粹,但是隨著年齡的增長,深夜難以入眠的痛苦引發的思考,讓他繼續朝著探索音樂和靈魂的方向去,於是才有了片尾的第一堂課也是最后一堂課,師生二人的對奏。藝術從來都是直指靈魂最深處,從來就是關於內心的堅守,而不是外在的認可或沽名釣譽的手段。
最后,還是要盛贊一下法國電影。清新的畫面,簡潔的劇情,寥寥無幾的人物,不煽情,不做作,甚至連裸體的畫面也從不避諱,卻又如此真實打動人心,觸及靈魂最深處的角落,引發最深刻的思考。這才是“哀而不傷,樂而不淫”的風格和境界。
Saisir la beauté tout le temps, partout - dans une église vénitienne, un bouquet de camélias blancs, un ange baroque - parce qu'elle est une nécessité impérative.
C'est incroyable, je suis sans voix. Comme si c'était la porte ouverte à un nouveau monde incroyable.
《日出时让悲伤终结》,一部极致纯粹的法国文艺片。低沉的古音,优美的画面,安静的人物,每一帧都散发出文艺复兴时期的纯粹、古朴和静穆,带给观众无与伦比的享受。本片获得1992年法国凯撒奖最佳摄影、最佳服装设计、最佳电影原声、最佳音效、最佳导演、最佳女配角和最佳影片等七项大奖。
电影本来的片名直译应该是《世界上的每一个清晨》,不知道是谁给了它似乎很有意境的中文翻译:《日出时让悲伤终结》。看完全片,原本直白的名字其实更妥帖,与影片气质更相称,更能传递出主创想要表达的意思。
电影讲述了法国历史上的音乐大师桑德·哥伦布的故事。哥伦布大概出生于1640年,卒于1700年,时逢欧洲文艺复兴的晚期。他弹奏的乐器是低音维奥尔琴。这种琴被持于膝间演奏,当时被统称为Viola da gamba。低音维奥尔琴是现代大提琴的前身。而哥伦布是公认的Viola da gamba的演奏大师和作曲大师,是他为这种乐器增加了第七根线,极大地拓宽了乐器的音域。桑德·哥伦布是真实存在的历史人物,但该片情节真实性有待考证。
故事是以马莱斯的回忆口述展开。哥伦布痛失爱妻后,带着两个女儿过着隐居生活,并沉浸在维奥尔琴的世界里,用音乐表达对亡妻的思念,同时琴艺也是日益精进。虽然被相中做宫廷乐师,但他断然拒绝了皇帝的邀请。后来勉强收了年轻英俊的马莱斯为学生,却发现两人对音乐的理念不同,不久便分道扬镳。此时,哥伦布的大女儿玛德琳爱上了马莱斯,并承诺把从父亲那学到的一切教授于他。马莱斯成为宫廷乐师后抛弃了玛德琳,玛德琳因此卧病在床很多年,最后还是上吊自杀。
细细品味会发现,电影人物发生的故事并没有被强调为影片向前发展的推力,而是浸润在电影营造的文艺复兴时期的“美”里,水乳交融。那些低沉悠扬的音乐,冷峻简朴的静物画,优美自然的环境,朴素的服装,高贵单纯的人物心灵都是“美”的翅膀,带领我们穿越到那个古典时期领略文艺复兴的光芒。木心说:“文艺复兴,似乎复的是基督教之宗教,其实复的是希腊精神。”什么是希腊精神呢?德国艺术史学家温克尔曼说:“希腊精神就是高贵的单纯,静穆的伟大。”这种精神是一种顺应自然的美。希腊将“美”在人道中推到第一位,这种朴素的唯美主义,不标榜的。他们高尚。十九世纪的唯美主义,华而不实。美,最后带来人格的美:勇敢,正直,战死不丢盾牌。
是的,桑德·哥伦布就是这样一位至纯至美至真之人。每次弹奏前后,他都要喝饱红酒。你看,“希腊的酒神精神,最符合艺术家性格。”宫廷乐师去拜访他提出邀请时,哥伦布说:“我已经决心在这里生活了,我的伴侣就是七根弦和两个女儿,我的回忆是和朋友一起度过的日子。这美丽的自然就是我的宫廷,请告诉宫廷,乡野之人不习惯那里,我作为乡野之人不想为任何人做事。”一次未成,皇帝派出主教出马邀请,但哥伦布心意已决:“比起受赐的金银,我更爱金色的夕阳;比起皇宫,我更喜欢这贫穷的家,你们回去吧!”
对亡妻的思念与爱几十年如一日从未随时间的流逝而减退,就如那把雕刻有妻子头像的维奥尔琴,那首“悲哀之墓”,那幅挂在他小木屋里的静物画,日夜陪伴着他。在他心里妻子从未“离开”。他坚信“只由瞬间灵感形成的音乐才是真正的音乐。”大自然的风声,画家作画时画笔摩擦画板的声音,小孩撒尿的声音,女儿的哭声,都是他音乐灵感的来源。马莱斯对音乐没有这样的理解和创作心境,自然达不到哥伦布的境界,所以他只能是一个乐匠,无法成为一名真正的音乐家。
当马莱斯听闻玛德琳的死讯后,他说:Tous les matins du monde sont sans retour(世界上的每一个清晨都一去不复返了)。这就是电影片名的由来。每个人都无法抵抗命运。玛德琳离开了,死神也在向哥伦布招手。从这开始电影场景画面就切换为夜晚模式了。我猜测主创这样安排也是象征当时欧洲掀起的文艺复兴即将谢幕,人类历史将向现代社会迈进。“希腊是西方文明的黎明,也是人类文明最灿烂的时光。”但是“希腊是偶然的希腊、空前的希腊、绝后的希腊。”文艺复兴后,希腊精神也就一去不复返了。赫尔曼·黑塞在《堤契诺之歌》中说:“这个古老的世界终将落幕,不久,机器将战胜双手,金钱将战胜道德,理性经济将战胜田园之乐,没有人知道究竟谁对谁错。像我这样的古文明崇拜者将因而感伤,但不论我们的诉求是什么,无人能反对我们的意见。我们明白,无论凭借理性或感性,我们的想法与进步或浪漫、前进或落伍无关,而是与事情的表象或实际内容有关。我们明白,我们厌恶的不是铁路与汽车、金钱与理性,我们讨厌的是遗忘上帝,是心灵的浅薄。”
哥伦布走了,他把饱含爱与深情的音乐通过马莱斯留在了这个世上,洗涤世人的心灵。本片导演阿兰·科诺(Alain Corneau),在当电影导演之前就是位音乐家。而电影中的音乐部分是由西班牙古音大家Jordi Savall完成。伟大的艺术家成就一部伟大的艺术电影。向他们致敬!
OST早就收过,电影蛮闷
美少年长成不堪的老者,女孩在幽病中垂死,音乐家与亡妻从未分开过,艺术痛苦而孤独,日出时悲伤结束,余剩琴音,如泣如诉。
剧情,音乐,要表达的情绪什么的都很好。就是大提琴演奏的部分实在是让人受不了,太假了,姿势手法都不对,握弓也不一致,更不要说韵律感觉了,完全就是胡乱的瞎拉。这是致命的硬伤。不知道音乐顾问是干什么吃的。。“听听我女儿的哭泣吧,她比你弹奏的声音更接近音乐”这句话真是又美又绝!
四星半。“音乐就是表达那些语言表达不了的东西”,它是一份礼物,生存的激情所在。音乐和电影唯美的融合在一起,这是个并不复杂的故事,却有着复杂的情感历程
技术是骗人地把戏,手段是无聊的表演,这个世界上的一切都在维系此在的生存,同时也无时不刻试图将实存赶尽杀绝,灵魂的光芒却恰恰是在那极境中彰显的,从古至今,浩瀚如海的故事似乎都在说着同一段往事,诗人们也好像始终吟唱一如的诗篇。
很工整很精緻的古裝片,但是問題恰恰在於太過工整精緻,每一幀畫面的美都恍如計算得分厘不差,可是因為計算過多反而削減了畫面中的情感,導演的執導顯得匠氣有餘靈氣不足,雖然是影片以主人公敘述呈現,但是過多的畫外音實在令人出戲,同時在表演上也沒有打動我。
http://www.tudou.com/listplay/MkRLTbSg3qU/-K7_gIPOSR4.html
昨晚在电视看了一个吴冠中的专访,他提到中国普遍存在的美盲问题, 想来伤感, 一个文明古国竟沦落到此地步. 啥时中国导演能静下心, 用心去看世界, 用心去触摸感觉, 拍出一部像(日出前让悲哀终结)这样的电影, 我们可以拍(高山流水), 不要再看像(夜宴), (无极) 这样自以为美其实丑的电影.
名字、原声都比电影好。最糟糕的是英俊的男主角到中年竟然成猥琐大叔了,岁月不饶人啊真是。3.5.
在旋律艺术的后面,隐藏着两种彼此对立的可能的意向性:巴赫的一段赋格曲在使我们对生存的超主观的美进行沉思的同时,又想让我们忘却我们的情绪、我们的激情、我们的忧愁,甚至我们自己;相反,浪漫主义的旋律想让我们沉湎在我们自身之中,让我们极其强烈的感受到我们的自我,让我们忘却一切身外之物。
有艺术的境界,但还是叙事迟缓,人物呆滞。所有西方古代的影像与故事中女人都是饥渴放荡的年纪轻轻比男人还主动……十七世纪时的宫廷装明显是为了掰弯男人设计的啊涂脂抹粉衣服那么多花边绉纱还粉嫩粉嫩的。女主少女时期美,长大了太硬像男人,妹妹从小丑到大。年轻的男主角和Max Riemelt好像。
美存在心间,音乐之美在于表达不可言喻之物。。情节上一正一反两个故事,互相衬托。风格上较克制,很大程度上摒弃了镜头运动(开场的大特写+画外空间算是一个极端例子),而用固定镜头中的光影与构图来营造一种油画风格,必须得说林间的几个夜景确实美。
这部电影居然和我一样大了。刚看完《世间的每一个清晨》的小说,所以决定一鼓作气看完这部改编电影。一位沉浸于对亡妻追思中的鳏夫以拉大提琴的形式再现亡妻的音容笑貌,一位野心勃勃的年轻人拜之为师,因双方的音乐理念不同而分道扬镳,年轻音乐家贱怠了深爱他的艺术家的女儿,她的死使二者捐弃前嫌,认识到艺术的本质就是对爱的执念,而所谓理念不过是艺术的抽象形式,因此内心隐秘的艺术激情死灰复燃,殊途同归。「世间的每一个清晨」——都没有归路。虽说已经是1991年的电影,但是每一处都美得像油画一般。除了继承了法国电影浪漫得有点儿闷得特质之外,一切都很好。
情节清淡而节制,镜头也没有刻意营造任何美感,却散发着浓浓的香气。简单里蕴含的坚守和疯狂,在维奥尔琴的如泣如诉里变成了圆。想起老罗的舒伯特,让人愿意放下手里的所有事情。人一生中能听到多少震撼整个生命的演奏呢,我想听一次。音乐是我们说不出的一切,是无法慰藉的思念生活孤独唯一的礼物。
哥伦布把他的一生都倾注在了对亡妻的无尽思念当中,而音乐就是他最后的伙伴。他用音乐构筑了一道包裹起他和妻子的围墙,换来的却是太多孤独与误解。还好,经历了无数曲折后,最后他的学生终于明白了老师的良苦用心,这悲伤终于在日出前终结了。在这部对白甚少的电影里,音乐无疑起到了巨大的作用。
四星半 里面那位老演员做样子乱拉一气实在让人忍无可忍
巴洛克音乐家传记电影,92年七项凯撒奖作品。从头至尾的七弦维奥尔琴,音乐五星。电影里有两处静物场景,完全还原自法国画家Lubin Baugin的作品。视效太精美,五星。故事3.5,相对弱化。喜欢这句台词~音乐是为了表达言语之不能表及处,所以并不完全属于人类~综述四星以上。
三星半。Sainte-Colombe的低音提琴,巴洛克音乐,静谧的乡村,油画般的镜头,日出时让悲伤终结,一切都太诗意了。可惜我一边嚼着花生米,以为是渣男变成死胖子的故事。情绪代不进去,白白浪费这美丽的意境。音乐的存在是为了说出那些表达不出的语言。感情都诉诸在琴声中,不需要太多的话语。
日出本身,并不会融化昨夜的悲伤。只有不经意间梦呓的吐露,才能消逝过往辗转的彷徨。
大量的画外音只能说明电影表达手段的无力,整部影片更像是小说的图解。P.S.18世纪法国宫廷乐师的小白脸形象让人看着恶心,包括那些夸张的服饰,反倒是St Colombe隐居山野所穿的被认为过时的便服更贴近现代的审美观点。