"If you ever wondered where your dreams come from, you look around. This is where they're made."
人类拍摄的第一部电影是什么样的?人类拍摄的第一部几乎不能称之为电影的“电影”只有短短2分钟,没有故事没有情节,只有一辆火车驶入站台。这最早的电影是两位魔术师Lumière兄弟拍摄的,他们也是最初始的电影放映机的发明人。就是这短短的2分钟,一辆驶入站台的火车,使得当时的观众尖叫着从座椅上跳起来,四处躲藏,因为,在当时,人们从来没有看到过这样新奇的“魔术”,真的以为是火车驶向他们。
1895年,一位名为Georges Méliès的魔术师有幸看到了这种新奇的“魔术表演”,顿时被这个前所未有的发明所震惊,他当时就下定决心,这样一个奇妙的发明,这样让人震撼的“魔术表演”,他一定要参与其中。他出价1万法郎向魔术师兄弟购买这种电影放映机,遭到拒绝,原因是兄弟俩认为这种小伎俩,只能在短时间取悦观众,不会有任何市场和发展空间。 Georges Méliès 在遭到拒绝后,就自己钻研机械设计,最终自己制造出一台电影放映机并开始了最早期的电影拍摄。作为一名在舞台上表演的魔术师,Georges Méliès最初把自己拍摄的一些电影片断当作最新奇最不可思议的魔术戏法展示在观众眼前,如果不是借助电影的拍摄手法,如果没有电影这个发明,这些当时被称作“魔术”的表演,是永远不可能完成的。
1896年,Georges Méliès在巴黎近郊自己的房产附近创建了世界上第一座摄影棚,也就是第一座电影工厂。为了采光的需要,这座摄影棚通体用玻璃制成,天花板和四面的墙壁全部用取材玻璃。仅在1986年当年,就有78部电影在这个摄影棚诞生,第二年1897年,又有53部电影横空出世。这座巴黎近郊的不起眼的小摄影棚,是名副其实的人类历史上第一个梦工厂!在这里,人类可以称作巨大的飞船飞向月亮,在飞船在月球上着陆时,月亮竟然是一幅俏皮不屑的表情;在这里,美人鱼在欢乐的游戏,海底龙王戴着金灿灿的皇冠,在五颜六色的美人鱼的簇拥下,得意洋洋;在这里,人类第一次大战僵尸,大战木乃伊,当僵尸们被团团围困的时候,居然在一瞬间消声匿迹。
当后来的另一位电影大师幼年时有幸亲自参观Georges Méliès的梦工场时,他回忆起当年的情景,写下了这样的话,也就是题词里的英文:
“你有没有想过你的梦是从哪里来的?四处看看吧,它们就是在这里被造出来的!”
Georges Méliès最早期的作品包括历史片,纪录片,喜剧片,故事片,当然还有他的最爱:科幻片和童话剧。他自己身兼编剧,导演,剪辑,以及表演多职,把他自己的梦境或者白日梦一样的幻想,也是我们许许多多人的梦境或者儿时以及成人后的幻想,活生生地展现在我们面前。他是电影史上,运用multiple exposure, dissolves, time-lapse photography,以及手工胶片染色的第一人。在1900年左右,当然还没有彩色胶片,但但是黑色和白色,怎么能满足这个雄心勃勃的“造梦家”的表现欲呢!于是,他就一片一片的用手涂的方式,给胶片染上了五颜六色的色彩。1900年,Georges Méliès的梦工场只有33部电影出品,但是这些电影无论长度还是质量,都随着Georges Méliès的雄心而增长。这其中,包括我非常喜欢的Lune à un mètre,描述的是一个太空人把实验室搬到了月球,天使和魔鬼都来造访他。
1902年,Georges Méliès的工作室拍摄出世界上第一部科幻片 - Le Voyage dans la lune(月球之旅)。这部著名的影片,讲述的是人类登月的情景,当飞船着陆月球时,落到了月球的眼睛上,于是,就有了此文第一张图片里的俏皮表情。这部14分钟的电影,是Georges Méliès拍摄的几百部科幻电影中最著名的一部,也是科幻电影的名副其实的鼻祖。在1902年,Georges Méliès已经开始拍摄人类登月的电影时,中国的电影大师在哪里?中国人在做什么?
从1896年到1913年之间,Georges Méliès拍摄了531部电影,其中包括大量脍炙人口的科幻奇幻电影。可惜,第一次世界大战的脚步悄悄来临,在经历了战争之后,人们可能是看到了太多的现实的残酷和无奈,人性的丑恶,种族间的互相杀戮,他们失去了对科幻片,童话故事的兴趣,Georges Méliès的梦工场从此衰败。之后,为了偿还他自己所欠下的债务,Georges Méliès不得不拍卖自己的电影道具,到后来,他迫不得已开始变卖自己的影片,眼睁睁地看着融入自己无限心血的胶片被融化,被制成了女人高跟鞋的鞋跟。这些承载着Georges Méliès梦想的胶片,这些把无数人的梦境幻想展现在人们眼前的胶片,最终的结局是高跟鞋的鞋跟!Georges Méliès为了维持生计,在巴黎的火车站经营一间很小的玩具糖果店,从此消失在人们的视野里。或许正如很多电影人所说的:
“美满的结局永远都只存在于电影里。”
铺垫了这么多,也算是第一次写写电影史吧~~~~ 这篇文章不是只讲电影史,这是电影<Hugo>的影评。一个12岁的小男孩,孤身一人与父亲遗留下的机器人为伴,他凭着自己的毅力才华和坚持,不但揭开了这个机器人身后的巨大秘密,不光修复了残破的机器人以及同样残破的机器人的传奇主人,他最终找到了自己的归宿。这是一封有着奇幻冒险的封面,讲述责任,个体的价值,归属感和社会位置,充满温情梦想的写给早期黑白无声电影的情书,也是对早期的伟大电影人的最真挚的敬意。
当中国的电影还在纠结国仇家恨,拧巴本来就理不清的三四五六七八角恋的时候,Georges Méliès作为科幻奇幻片的先驱,早在1900年左右就开始了对未知,对梦想,对童话的探索,创作和展示。很多和我同样喜爱电影的中国人,甚至都不屑与观看奇幻科幻童话电影,他们认为那是给小孩看的东西,他们宁可继续为国仇家恨流泪唏嘘,继续拧巴在别人的生活现状,别人的爱情绝境里。我不知道原因是不是真如Georges Méliès所说的:“当他们目睹了太多现实的残酷,人类的残忍之后,他们已经失去了欣赏幻想梦想的心情。”
幸运的是,电影艺术终究是属于全世界的。一批批电影大师前赴后继,孜孜不倦的造梦,随着科技手段的发展,造梦的手法也越来越高超,于是,就有了1921年的《king kong》,1979年的《star wars》,1982年的《ET》以及2009年的《Avatar》。我奶奶在80岁时在电影院透过3D眼镜观看了《Avatar》,极少进电影院的她,看完电影告诉我她非常喜欢这部电影,为什么?就因为电影里的那个美丽星球,是她小时候想象中的乐园,那一刻,在电影院里,小时候的幻想就真真切切展现在她的面前。不光是她,我想无数人,当然包括我自己,都和她有着相同的观影感受。
一战结束后,人们开始在垃圾站,废物回收处,铺天盖地的寻找搜集Georges Méliès残留在世间的电影胶片,最终,他所创作的大约100部电影得到修复。于是,在他诞辰150年之际,又有了这部《HUGO》,这部向他致敬的电影,也是运用了当今最先进的3D技术向早期黑白无声电影的致敬。
我在想:“美满的结局真的只存在于电影里吗?”
透过3D眼镜,在大屏幕上观看Georges Méliès的无声染色影片,真的很美很美!
早就在电视上看到这个的预告。imdb给出了8.3的高分,烂番茄专业影评人 94%, 观众83%。好评如潮的架势让我想起了当年的wall-e。进电影院前我完全没被剧透过。 当时纠结于是先看龙纹身还是这个,最后选择了hugo,想着快要下档了,然后很多人都说看就要看3d。
上座率什么的其实不错,我看的7点的场,小厅也坐了80%,以老头老太太居多(当时我就有不详的预感,这种观影人群在我上次看午夜巴黎的时候出现过,结果证明不是我的菜)。排片一天也有5场,这个档期片子太多,每个也就这么多。后来做了些研究发现这片子似乎赔的很惨。事实证明,当观影人数少的时候的评分可信度必须打折扣。这就好比豆瓣上那些只有78千人评出的8.5以上的片子没有可信性一样。
看了开头10分钟我就开始有退场的冲动。对于营造的梦一般的巴黎形象我没有意见甚至可以说是惊叹的(但也绝对没有达到叹为观止的程度。。),此时片子给我的印象还是极地特快的感觉。开头不算引人入胜,人物设定以及剧情发展都给我似曾相识之感。真正让我闹心的是两个小演员一个木讷一个做作的演技。。Chloë Moretz在海扁王里还算惊艳,在这个片子里也许是因为剧情推动的不流畅,显得很做作。一部好电影给人的感觉是每个人都演的很好,一部烂电影则人人不在状态。hugo我倾向于后者。无论是小主角还是几个大人都非常的脸谱化,给我看舞台剧的错觉。
此片最大的问题还是情节。记得中间有个场景,是讲两个小孩拿着automata画出来的图去找乔治·梅里耶的老婆,结果人一看这张图就冷酷的赶他们走。以及后面他们在房间里把乔治手稿弄了一地后乔治说什么亏我这么相信你然后还哭了。整个这么一大段给人感觉抖了一个很大的包裹。结果后来发现无非是乔治失败的电影事业的挫折。我无意贬低这份挫折,因为我知道豆瓣上真乔迷和伪乔迷们一定会攻击我不懂此人对现代电影工业的重要贡献。我想说的事,好电影剧情推动要合理。乔治的挫折感我可以理解,但他这么苛责一个孤儿我实在是接受无能。如果说是真实的人物传记也就罢了,可既然是个故事,为何不合逻辑?更不用说这么深的挫折,在后面小男孩带着乔的崇拜者来放了段电影剪辑他就豁然开朗了?情节铺垫不够绝对是此片硬伤。
再讲场景,此片多处出现车站警察追逐小男孩的情节,占据了很多时间。然而,这些对于主线推动毫无意义。如果说,这个片子是讲小男孩和他的automata的话,还算情有可原,那也不至于出现那么多次。但这个片子不是讲乔治·梅里耶和小男孩通过羁绊最后凤凰涅槃的么。那么,重复出现的追逐戏意义何在?还有那对老年男女的爱情戏,警察和卖花女的戏,都这么的漫不经心而又毫无意义。小女孩要看男生的秘密基地男生不答应。结果发生踩踏什么的,就因为这个小男孩就带她去看自己的秘密基地了?还有小男孩的父亲被莫名其妙的大火烧死了。试问,既然最后证明小男孩父亲的死跟什么都没关系,那还有必要拍的那么悬疑么。我甚至不厚道的怀疑,很多情节是为了3d设计的,这种为了迎合技术而硬填剧情的生硬感一直存在着。同时,这些无聊情节都转移了观众的注意力,以为导演在抖包裹,结果最后什么也不是。如果把这些都去掉,来重点铺垫小男孩和乔治·梅里耶的心路历程,此片虽然会文艺很多,但叙事上的合理性会大为增加。
整个电影,就是两个完全不相关的故事强行糅合在一起,充满了各种违和感。在忍受了将近1个半小时的无聊剧情沉闷表演后,全剧迎来了他的高潮,一幕幕乔治·梅里耶的电影作品这才以回忆的形式剪切在一起。当时我的感想是,导演你就拍个纪录片好了,好这么多钱拍个四不像的商业片你图啥啊。
最后,我想谈谈观众的感想问题。我敢说,给这片打五星的中国观众大部分是为着乔治·梅里耶去的。四星的一大部分是觉得特效挺美的加上乔治·梅里耶。我就姑且不猥琐的评论那些根本不知道乔治·梅里耶是谁,纯粹为了装逼,看到导演名字看到什么电影工业致敬就给满分的傻x。我们现在评价的,是一部电影。如果我没看错的话,还是部商业定位的电影。发自内心的,你真的觉得这是部好电影?还是那句话,有情怀是好事,有情怀不等于好电影。
再次提一下,观众大部分都是老年人,他们从这个片子中体会到了逝去的默片时代我可以理解。对于他们来说,剧情不重要,重要的是重温老电影的感觉,还有回到那个魔术电影时代的巴黎。这就好像我们这代人看将爱,剧情不怎么样也给了高分一样,看的就是缅怀逝去的似水年华。那么,我们这些70和80后的中国人,你在那里缅怀个什么劲啊。你们中的哪个人,经历过那个时代。就算是电影专业的,也是在今天看过去的片子。你们谁能真正体会处在那个时代第一次看电影的震撼?既然如此,就应该实事求是从电影的质量出发。要不,就是装逼。
马丁·斯科塞斯(Martin Scorsese)的《雨果》(Hugo)拍得真好:场景设在英国的老牌Shepperton影棚,罗伯特·理查森(Robert Richardson)主刀摄影(理查森的常年合作导演都是奥利佛·斯通、斯科塞斯、昆汀·塔伦蒂诺这样级别的大师),使用最先进的数字摄影机Arri Alexa,3D效果以卡梅隆的联合数字立体摄影(fusion camera system)为源文件格式。在高仿真的1930年代法国蒙帕纳斯车站中,镜头穿梭于精巧复杂的钟表齿轮与机器零件的迷宫,快速的移动画面融合卢米埃兄弟的早期叠加颜色摄影效果,使影片有种复古的暖色神秘感。而《雨果》的情节本身就是一封献给早期电影艺术的情书,不仅明确地向先驱艺术家乔治·梅里埃(George Méliès)致敬,再现了梅里埃的蒙特勒伊影棚和许多经典片段的拍摄场景,还通过梦境、对话、道具等手段隐性提到了《大都会》(Metropolis)、《摩登时代》(Modern Times)、《柏林:城市交响曲》(Berlin: Die Sinfonie der Großstadt)等早期电影经典。可以说,《雨果》的一切,包括1.7亿美元的巨额制作费,都以向电影先驱致敬为创作目的。这是一部献给电影史的电影。
从这个意义上说,不难理解《雨果》自2011年11月上映来获得的广泛业内好评,包括11项奥斯卡提名。然而对我而言,《雨果》固然拍得好,却不是部好电影。
“拍得好”是客观技术指标,有业内典范标准参考; “好电影”则是主观价值判断,这涉及到电影的目的与意义,结论因人而异。尤其对电影的创作者及欣赏者而言,双方对目的意义的认识常常存在鸿沟。以《雨果》中的乔治·梅里埃为例,电影对他是新魔术,是为人间造梦的工具和手段,他的短片具有极强的舞台表演痕迹,在对当时技术条件的运用和对电影作为艺术手段的认识上都是开创性的。从创作者的创新角度出发,梅里埃的短片堪称历史经典;但从观众的娱乐角度看待,“好电影”则无法脱离时代口味的变迁。一战前是电影艺术刚刚兴起的阶段,仅仅观看屏幕上的现实影像记录就足以激起观众的好奇心,梅里埃的视觉造梦艺术比起单纯的记录不知要神奇多少倍,当然获得了广泛的群众认可与商业成功;然而随着观众口味的改变,尤其战后,梅里埃的神话题材不再流行,他与百代电影公司的合约也使自己陷于破产境地。1923年百代没收了梅里埃的星球电影公司和蒙特勒伊影棚,愤怒中梅里埃将自己的电影胶片和大部分服装道具付之一炬,从此成为蒙帕纳斯车站中一个郁郁寡欢的玩具糖果店主。但自二十年代末起,对电影理论的研究初步成形,梅里埃重回法国电影界的视线,大众对他的感观再次改变。不过这一次他不是作为导演,而是电影资料的保存者和电影艺术发展史的见证人,再次获得广泛认可。
这起伏跌宕的鸿沟,也是我对《雨果》的看法。对斯科塞斯而言,他的创作目的是向早期电影艺术致敬,《雨果》的全部精华都在繁复精巧的场景制作和3D画面效果,承载这些效果的情节和表演服务于视觉感受,细节的合理或人物的立体仅是次要的支架,甚至出离考虑范畴。从这样的角度出发看待《雨果》,电影完全达成了致敬的初衷,是一次成功的视觉效果演示。
然而从我这个普通观众的欣赏角度出发,《雨果》却是一部没有灵魂的作品,所有与人有关的细节全是可怕的灾难。片中的两位小演员的表情机械夸张,很难让人产生情感共鸣;大部分人物性格单薄卡通,包括核心人物梅里埃,其终生的创作目的仅被刻画为获得观众承认这唯一的层次,任性到近乎浅薄,实在让人不忍。片中的机械细节设计固然精巧奇妙,但一涉及到人,便退化为愚蠢粗糙,比如雨果躲避车站警员追击一节,踏出窗外明明有厚厚的窗台可以躲避(这也是他最终的躲避位置),却必须要先挂在钟表指针上,慢慢蹭到窗缘,再滑落窗台。除了营造海报视觉效果,我想不出这细节为何必须如此安排。雨果的梦中列车脱轨一节也很有为了再现这一历史片段而刻意为之的嫌疑,缺乏必要铺垫和心理提示,出现得突兀而不自然。
总之,抛却视觉效果和致敬心态,从电影故事构建与完成的角度出发,《雨果》表现得十分粗糙。当然,情节并非电影艺术的必须,我也分得清所谓主次重点的不同。但既然电影采取了故事作为技术的依托,那么刻意忽视人物塑造、表演、情节安排等方面的不足也相当愚蠢,难逃小圈子里捧臭脚的嫌疑。不过最根本的,我想是因为我从不认为电影的最终目的是电影本身。我很难把电影这种艺术形式放到真空中,不与文学、戏剧、舞蹈等其他艺术形式进行比较。我认为所有的艺术形式都是手段,都必须成为创作者世界观的忠实体现。无论商业艺术或实验电影,都必须力求形式要素的完善,以最适合的手段展示最适合的内容,在资金场地等物质条件的限制中尽最大可能挖掘题材的深度,拓展思维的可能性。换句话说,我认为艺术形式的终极目的并非艺术本身。电影的尽头不是电影;技术是电影的必须,却不是电影的灵魂。作者的思维不超越电影本身,便拍不出好电影。
我很欣赏纪录片导演埃洛·莫里斯(Errol Morris)。历史系出身的他以拍电影为社会研究的手段,不论《细细的蓝线》(The Thin Blue Line)还是《战争迷雾》(The Fog of War),他的探讨议题都超越了影像记录本身,在思维的推理过程中进行视觉创新,拍摄出了我们这个时代了不起的纪录片作品。另一位让我迷恋的导演布努艾尔(Luis Buñuel)也以超越电影之上的态度来拍摄电影。他从不使用花哨的机位变动镜头剪切,甚至对演员的细节表演都不太在意。作为二十世纪二十年代的超现实主义代表人物之一的艺术家,他用电影作为媒介来表现他对这个世界的看法,对宗教与集权的尖锐嘲笑,对人性枷锁与自由展望之永恒矛盾的沉思。停拍十五年都不是障碍,因为他的思想从未停止。可以说不超越电影形式的布努艾尔将不成为布努艾尔。
回到马丁·斯科塞斯《雨果》,这是一部仅仅停留在技术演示和向影史致敬层次之上的电影。其中不乏精彩片段,但整体而言却缺乏一部经典作品所需的灵魂诉求。也许归根结底我始终不是个好影迷,我没法立足于电影的小圈子欣赏这样一部仅仅拍给电影史的电影。但我想这并不遗憾——电影的胸怀广大着呢,不是吗?
电梯:
http://movie.douban.com/review/5294028/?start=100http://movie.douban.com/review/5294028/?start=200乔治·梅里耶是电影史上被称为“电影魔术家”的第一人。在电影还是魔幻艺术的年代,魔术家和机械师出身的他建立了最早的电影studio,拍摄了大量科幻题材的电影,并创造了许多开创先河的电影技术,比如着色、轨道和许多今天看来幼稚、但在当时却是独一无二的道具和布景。我们今天在教科书里看到的许多电影剧照,如儒那凡尔纳的《月球旅行记》,都是他的作品。可惜他的手工作坊式艺术抵不过大工业的滚滚洪流,1913年,他的公司破产,继而战争的爆发让他一贫如洗。珍贵的电影胶片被卖给了化学公司生产女士的高跟鞋跟,一手创立的电影studio也付之一炬。战后,他在巴黎火车站开了一个玩具店,当了一个玩具商人,从此退出了电影的历史舞台。很难想象电影史上的先驱竟然有一个这样的结局,正如梅里耶先生在电影中所说:“Happy ending only exists in movies.”一句话,令多少人唏嘘。
电影的故事就是从巴黎的那个火车站开始的。小男孩Hugo的双亲去世之后,成了栖身火车站大钟里的孤儿,每天看着形形色色的人群,他偷过,被打过,被抓过,但父亲教给他的对机械的热爱始终不改。在那个父亲捡到的世界上最精妙的机械机器人里,他发现了电影的秘密。
马丁·斯科塞斯的《雨果》无疑是用致敬的谦虚姿态拍成的电影。我们几乎可以看到,马丁就是电影中那个写教科书的教授,当他还是一个小男孩的时候参观了梅里耶的studio,从此一发而不可收拾地爱上了电影。七十年前,人们开始怀念电影,纪念梅里耶,而今天,人们还在怀念电影。电影是每个人的梦,那些会动的图像,那些书本中成真的镜头,曾经以为遥不可及的东西,如今都成为我们生活的一部分。
这部电影的珍贵之处还在于许多电影史早期的的镜头重现。看着一百年前的人们对银幕上的火车进站镜头惊呼,还有几乎同一时期的工厂女工下班,稍后的月球旅行记,海底两万里,导演把当时披荆斩棘的行业先驱们如何拍电影、如何创新的故事呈现在了观众面前。马丁这次挑选的题材虽然奇特,但仍然是历史,而马丁最擅长的就是历史。大气的态度和对大场面的驾驭使这部片子有种端正的气度,这是晚辈对前辈的献礼。
这部电影让我唯一觉得没有必要的地方就是3d的使用,除非马丁是以告慰祖先的姿态在对梅里耶说,看,我们没有辜负您的事业。看这部电影预告片的时候我以为是个极地快车似的奇幻片,看到一半才发现这纯粹是个历史片。
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尘封的废弃老胶片就像坏掉的机器人,需要修复者用爱心的钥匙重新开启,发条的转动就是胶片放映机的转动,钢笔的涂鸦正如电影魔术—让后人领略其魅力并发现历史。老马充分展现了他的迷影情怀,流畅的3D运动长镜头充分架起了空间感,这比起当下那些对着屏幕朝观众扔东西的3D好看多了!
两条线有点散 有点儿给成人看的儿童片 但也许情怀和梦想更重要
将电影还给魔术,将希望留于后人……如果说《午夜巴黎》是一封遗书,《雨果》也是沉甸甸的遗书啊。
在飞机上看的,半梦半醒之间,似乎也不影响对整个剧情的理解。不知这算不算是好电影的标准?
曲高必定和寡,看不懂的人很多,不是魔幻片,而是献礼片。
我真心想打个三星来着……剧作不及格,什么叫不分主次没有重点视点混乱看看这部就知道了。老电影情怀加一星,音乐扣一星;摄影加三星:富有层次的3D的长焦效果,尤其是调焦镜头做得那个细致,看得人真是热泪盈眶。这片果断不能得奥斯卡最佳影片。
别以为马导不会拍烂片,他拍起来烂片来不是人。 强烈建议此片在CCAV一套大风车栏目中播出。
很讨厌影片第一部分;但在梅里埃的身份揭晓后,当看到《月球旅行记》的拍摄片场时,仍然感动得泪流满面。迷影情怀足以感动每个热爱电影的人,只可惜除开“外挂”式的情怀来看,影片本身节奏拖沓剧本远不够出色,最终只算是献给电影和影迷的一个精致华丽之梦,绝非杰作。因此四星全部给影迷老马丁。
流光溢彩的色泽,奇幻童趣的经历,写实的蒸汽时代背景以及充满创意梦想的电影胶片——这是一部向电影诞生致敬的儿童片。惟其如此,主题不断在儿童(雨果)与电影(梅里耶)之间切换带来的片面效果也很明显。然而只要想到黑色系导演马丁·斯科塞斯能在古稀高龄突破自我拍出这样的电影,也足当礼赞。
开场前两分钟精致迷人的巴黎城着实把我深深的吸引住。致敬电影业,一系列旧电影的穿插也明显深得学院喜爱。但如同《艺术家》一般,电影不单单是靠着卖弄情怀就应该获得赞誉的。或许用金玉其外败絮其中来形容更恰当?★★★
在传统胶片电影遭遇数字冲击时,以时髦的3D与电脑特技技术向梅里埃和早期电影史致敬,意味深长。不免有美国电影里一贯故弄玄虚的惊险场景。机器展示令人想起弗里茨·朗《大都会》,火车场景则令人想起阿贝尔·冈斯《车轮》和雷诺阿《衣冠禽兽》。火车速度带来的危险感、机器与人的关系,皆为当时热门话
鲜艳的色彩是向早期的染色片靠拢吧。虽然没有期待中的激动,但仍有几处看到想流泪,包括最后梅里爱在掌声中缓缓走出,多好的happy ending啊!这才是马丁献给梅丽爱的礼物,因为现实远不是那么美好。感动源于痴迷,电影像是一扇窗,将观众引入一个完全不同的世界,激发并维系着每个人的梦想
前半部始终有种梦幻的感觉,小萝莉长高了。不知道为什么一出现早期的电影片段就卡。。
前一个半小时一直在制造悬念,让人误以为这是儿童魔幻片,结果最后半小时恍然大悟——原来马丁斯科塞斯在向所有电影人致敬。片中最深的秘密并非什么平行世界、时空穿梭,而是电影人造梦的理念。
原本以为是魔幻片,看到最后才发现是致敬片。
虽然这是部向梅里耶致敬的电影。但我初始愿望是文学家雨果。。不是机械大师。剧情有点小拖沓。机械确实很美。
原来是绘本来的啊,怪不得画面那么好看!剧情嘛……so so ……
拍得好,却非好电影。表演、人物形象、细节安排无一不糟糕透顶。我无法以儿童的视角仅以造梦的标准来看待老马丁的作品。三星全为技术和视效。
被儿童3D冒险片的宣传误导了,其实一部厚重迷人的早期电影史——乔治梅里爱的传记片,正是孩子们冒险的最终答案。梅里爱最后说Happy ending只存在于电影里,这次老马给了梅里爱一个电影之外的Happy ending,对早期电影史的致敬也是功德圆满了!老马也客串了一把给梅里爱夫妇拍照的摄影师。★★★★
不得不说是名字欺骗了我。。不过看了也不亏。。